close

Вход

Забыли?

вход по аккаунту

?

66.ОРЕНБУРГ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ

код для вставкиСкачать
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
Русакова Т.Г. д. п. н., профессор ОГПУ,
Алеев М.К. – студент факультета журналистики ОГУ
ОРЕНБУРГ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ
Художественные измерения Оренбурга также многочисленны и
неповторимы, как и сам город. Многогранность стилей, направлений,
подходов, в которых работают оренбургские художники, дополняется
полимодальностью самих художественных проектов: от традиционной
картины – до инсталляции. Каждый год вернисажи в залах музеев и
выставочных галереях города знакомят зрителей с новыми идеями
живописцев и открывают новые стороны их творчества. И каждый год в
городе проходят не только персональные выставки, к которым художники,
как правило, готовятся довольно долго, но и уже ставший традиционной
выставка «100 картин», где художественная палитра Оренбурга представлена
наиболее панорамно.
Каковы же художественные измерения нашего города? В каких
направлениях работают живописцы? Как они видят и отражают в своих
работах то, что является общим культурным пространством и для
художников, и для зрителей?
Ответ находим в экспозиционных залах. Наиболее показательна в
плане изучения художественно-концептуального подхода ежегодная
выставка «100 картин художников Оренбуржья», идейным вдохновителем и
организатором которой вот уже 17 лет является директор галереи
«Оренбургъ» Заслуженный художник России Ю.А. Рысухин. В этой выставке
принимают участие самые яркие живописцы города и области. Среди них –
сам автор проекта Ю.А. Рысухин, а также Ю.П. Григорьев, Г.А. Глахтеев,
А.И. Овчинников, А.Масловский, Ю.Я. Гилев, С Б. Фазутов, В.Н. Ерышев и
многие другие мастера кисти.
В 17-й «сотне» (2010г.) были представлены работы 38 художников.
Экспозиция начиналась картинами Я. Ческидовой и А. Курилова. А.Курилов
работает в стиле абстракционизма – в его «Композициях» – динамика борьбы
цветовых плоскостей и абстрактных силуэтов. Работы
Ческидовой
иллюстрируют жизнь ее семьи и очень напоминают по стилю и
анимационное кино, и живопись М. Шагала, что не мешает воспринимать
самобытность и уникальность художественного таланта автора. Триптих В.Н.
Ерышева «Ветер», продолжающий экспозицию, создает иное ощущение
мироздания: внутренний холод, отчужденности внешней жизни,
одиночество. В центральной части триптиха «Порыв ветра» - зима, летящее
бельё, сорванное ветром, и рядом – висящая на веревке хвостом вверх
мертвая ворона – зловещий знак! В правой и левой части, каждая из которых
называется «Ветер» - деревья, завёрнутые в ткань и качающиеся на ветру.
Творчество А.А. Ханина продолжает традицию кубизма, начатую еще в 20
веке П. Пикассо и Ж. Браком. В картине «Праздник музыки» средствами
рубленных, ритмично составленных форм передано состояние быстрой,
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
энергичной музыки Испании или Латинской Америки. Но формы не
абстрактные, а передающие знаки инструментов и музыкантов. Ю.А.
Рысухин прекрасно передал движение лошадей в своём левкасе «Август.
Летний вечер», усилив двигательную экспрессию каурой лошади движением
гнущихся от ветра деревьев. Деревенский домик в Ташле, яблоневый сад,
сбор падающих яблок - таков незамысловатый сюжет триптиха «Яблокопад»,
представленный М.А. Бусалаевой. Левая часть триптиха – состояние утра,
центральная часть – солнечный день, и левая – утро следующего дня.
Композиция Н.И. Ореховой «Красное яблоко» густо перенасыщена сказочномифологическими персонажами и очень сложная по колориту. Ю.Я. Гилев в
квадратной композиции «Man. Woman» на нейтральном фоне изобразил 24
синих прямоугольника, внутри которых – белые силуэты мужчины и
женщины в различных состояниях бытия. А его «Казацкий эпос» разделен на
124 прямоугольника, каждый из которых имеет свой цвет и своих эпических
героев. С.Б. Фазутов представил произведения «Золотая рыбка», «Лампочка»,
«Коврик». Кстати, последняя имеет второе название – «Домики». Это
произведение также можно рассматривать, перевернув на 180 градусов.
«Золотая рыбка» состоит из двух частей: верхняя – темно-синяя и нижняя –
кофейно-розовая. Внизу – профиль человеческого лица с золотой рыбкой
вместо глаза, устремленный вверх, с поднятыми руками. Руки уходят ввысь и
оттуда оборачиваются ладонями к самому человеку. Интересно то, что
ладони расположенные подобным образом, могут принадлежать только
кому-то другому, но не этому человеку. А может быть, это вообще руки
Бога? Но и этого мало: и голова с золотой рыбкой, и часть синей плоскости,
помещены внутрь яйцеобразной, наклонной сферы, символизирующей то ли
зарождающуюся жизнь, то ли нашу планету. Такие произведения требуют от
зрителя активного интеллектуального внимания к языку знакового искусства.
Разноплановость работ, экспонируемых в формате «100 картин», позволяет
судить о творческом поиске, художественных приоритетах и способах
взаимодействия художников с окружающим миром, видеть своеобразный
«срез» художественной жизни города и её трансформацию – из года в год, от
выставки к выставке.
Не менее интересны персональные выставки художников. В течение
последних двух лет свои персональные выставки на «суд зрителей»
представили А.Власенко, А.Шлеюк, И.Смекалов, Г.Глахтеев, А.Рюмшин и
др.
Искусство Антона Власенко интересно и характерно тем, что этот
искренний и самобытный художник в своем развитии органически соединил
в единое целое традиции реализма и свободное выражение творческой идеи,
что ближе к направлениям авангарда. В реалистической манере он исполняет
свои любимые пейзажи, а также натюрморты, интерьеры, портреты. Все они
мастерски сделаны в технике акварель. Особенно интересны произведения,
написанные не столько с натуры, сколько по ее мотивам. Среди них есть
очень глубокие, тонкие и даже мистические вещи. Например, «Белые
облака», «Эльбрус», «Лунная ночь», «Освещенные сосны», «Рыбаки и
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
лодки», «Восход». Отдельной серией выделяются работы на тему «художник
и муза»: «Красное платье», «Желтая роза», «Прогулка». Авангардные же
работы Власенко – это его творческие находки и эксперименты с цветом,
линией и формой, выражение своего внутреннего мира и индивидуального
отношения к реальности. Именно в этих работах А. Власенко находит свою,
характерную только для него, грань в искусстве. Это отражено в таких его
вещах как «Строительство бани», «Утро в Ташле», «Читающая стихи
Бретона», «Купание с лестницей», «Отдых», «Ягоды» и др.
Три художника семейной династии Григорьевых – Юрий Петрович
(Заслуженный художник России), Максим Юрьевич и Ирина Васильевна –
представили общую мистерию картин. Для всех членов этой творческой
триады характерным является то, что главным движущим качеством в
живописи выступает «цветность». Противоборство цвета – в картинах Юрия
Петровича, гармоничность цвета – у Ирины, стихийность и некоторая
непредсказуемость – черта работ Максима. В работах Григорьева-старшего
передано борение духа через напряженную мощь цветовых пятен. Это «Двор
моего соседа», «Ветер», «Старица», «Розовые горы». Так же как и отец,
Максим работает в жанре пейзажа. Причем видно, что все они сделаны с
натуры. Его полотна можно условно разделить на два типа по манере их
исполнения и концентрации цвета: работы насыщенные и разбеленные.
Причем последних явно больше. Особняком смотрятся несколько больших
дачных этюдов. Сложнее всего найти общую творческую линию в работах
Ирины. Прежде всего, это художник, который пишет в несколько разных
живописных манерах. Но во всех ее картинах, тем не менее, есть свой
узнаваемый живописный почерк. В них видна глубокая акварельность
письма. Ирина в основном работает над композиционным натюрмортом и
композициями с женскими фигурами, передающими эмоциональное
состояние. Примечательно, что в ее картинах нет ни одной мужской
персоны! В частности, примечательна большая по формату работа под
названием «Арбуз». В ней вокруг стола со взрезанным арбузом и огромным
букетом сирени динамично по кругу расположены три женские полуфигуры.
Сложность композиций ее натюрмортов в том, что в них часто присутствуют
городской пейзаж и женский портрет, но как дополнение к главному. А
главное – общее настроение, эмоции картины.
Юбилейная выставка А.Г. Шлеюка удивила взыскательную публику
разнообразием техник. Открывали экспозиционный ряд акварельные этюды
пейзажей и карандашные зарисовки портретов, сделанные с натуры.
Зарисовки лаконичные, четкие, профессиональные, а акварели – тонкие,
лиричные, исполненные поэзии. Особенно великолепен этюд осеннего леса
возле тихой реки. Вторая часть экспозиции включила работы, выполненные в
малоизвестной технике энкаустики («огненные краски»). Достаточно
вспомнить, что в этой технике выполнен знаменитый фаюмский портрет,
чтобы понять нестандартность подхода. Смысл энкаустики в том, что
художник на специально загрунтованной доске (левкасе) рисует восковыми
мелками, а затем с помощью горячих струй воздуха плавит и смешивает
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
линии, штрихи и пятна. В итоге получаются интересные графикоживописные эффекты, напоминающие пастель, но на порядок ярче и
фактурнее. Основная часть представленных работ – портреты, в которых
живо отражен характер каждого из персонажей. Одна из тем называется
«Разговор начистоту», в котором обнаженные мужчина и женщина ведут
свой разговор, находясь в бане. Гениально схвачен и передан контраст не
только между мужским и женским телом, но и мышлением, характером и
восприятием жизни. В истории российского искусства А.Шлеюк третий
художник, который творит в этой технике, до него в такой технике работали
только отец и дочь Василий и Татьяна Хвостенко. Интересны и живописные
творения мастера. Первое впечатление от них – это спокойный, добротный
реализм. Однако некоторые картины выходят из привычных границ
реалистической живописи. Тонко, трепетно и очень камерно написан
«Портрет жены». Этот трогательный женский портрет значительно больше
натуральной величины и кажется на первый взгляд монументальным, но…
Поворот головы и шеи напоминает знаменитую египетскую скульптуру
царицы Нефертити. Но главное – в нем передано то, как светится душа в
сияющих глазах молодой женщины! Полная противоположность –
композиция «КоролЕВА», отсылающая нас к библейской истории.
Обнаженная Ева стоит под Древом Познания в вызывающе-агрессивной позе,
выставив вперед ногу и замахнувшись огромным красным яблоком, смотрит
на зрителя из-под тени ветвей. Причем совсем не видно ее глаз! Краски этой
картины – тяжелые, мрачные, абсолютно земные. Кроме портретов здесь же
представлено большое количество пейзажей маслом, из которых, на мой
взгляд, особо трогательны тихие зимние этюды. Помимо масляной живописи
художник включил в экспозицию и картину, выполненную современным
художественным материалом – акрилом. Это центральная работа «Однажды
в Париже»: очаровательная девушка 19-го века на фоне огромного,
ослепительно лазурного неба Парижа. Внизу, на втором плане, возле ног
героини – памятник Жанны д'Арк на улице Риволи. Вся композиция
воспринимается как сон, чарующее видение, мираж и мечта художника. Да и
сама Прекрасная Дама словно соткана из прозрачного светящегося и
тающего воздуха, плывет или парит, едва касаясь дрожащей обувью
мостовой. Еще одна техника, в которой работает А.Шлеюк роспись ткани в
технике батик. Эти работы резко отличаются по своему стилю от
предыдущих стилизацией изображения. В этих композициях идет поиск
новых форм, через изменение, преобразование и составление оригинальных
из уже существующих.
Персональная выставка Игоря Смекалова включала в основном
портреты (в разных вариантах) дочери, жены, родителей и автопортреты:
«Детские портреты», «Посвящения» (портреты родителей), триптих
«Девочка, играющая на флейте». Полотна интригуют ценителей не фабулой,
ни сюжетом композиций: при внешней простоте – глубоким выражением
состояния (души) через цвет. По своему общему настрою, они часто
перекликаются с такими художниками слова, как Ф.М.Достоевский и
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
А.А.Блок. Т.е, в картинах важнее как это написано, нежели что.
Живописный стиль И.В.Смекалова сложно определить словами. Прежде
всего, это язык психологического цвета, света и среды. Преобладание в
картинах живописности, эмоциональности, подсознания, над графичностью,
рациональностью и сознанием. С некоторой условностью его
художественный почерк можно охарактеризовать как «туманная
экспрессия». Вся выставка – это один целостный рассказ ее автора о своей
жизни. Но такой рассказ, в котором интонация, тембр голоса рассказчика, и
его манера изложения текста расскажут нам больше, чем просто текст. И
здесь художник раскрывается душой до конца, не боясь непонимания и
холодного цинизма представителей «воинствующего невежества». В его
живописи нет подробностей. Черты лица и руки не прописаны, даны
намеками, и как бы тонут в общем, цветовом мареве. И мы смотрим на
реальность (внутри картины), как сквозь магический кристалл… Мелочами
художник пожертвовал, чтобы, не размениваясь выразить главное…
Интересен также формат выставок, представляющих диалог двух
художников. В.Н. Ерышев и И.В.Смекалов организовали совместную
выставку, в которой, несмотря на разные стили авторов, картины,
заполнившие группами все четыре зала галереи, зрительно воспринимаются
как гармонически цельная экспозиция. Огромное количество работ И.В.
Смекалова, в основном на тему семейных портретов в интерьере, написаны в
едином стиле и отличаются друг от друга только композицией и
определенными цветовыми гармониями дымно-сизой, сумеречной палитры
красок, которым автор отдавал предпочтение в том, или ином этюде.
Небольшая серия натюрмортов сделана в более локальных и ясных
сочетаниях цветовых масс. Исключение составляет лишь несколько этюдов
обнаженной натуры в интерьере, написанные в неожиданно звонкой и теплой
гамме. В его живописи нет деталей. Главное это состояние из основных
цветовых масс. Увидеть подобные состояния можно, если посмотреть на
любое явление жизни рассеянным взглядом. Намного более сложны и
информационно насыщенны композиции В.Н. Ерышева, который, кроме
живописи, еще активно работает сфере дизайна. Ерышева-художника
интересует не внешнее, а внутреннее содержание предметов и явлений, их
скрытый философский подтекст, иносказания, аллегории и метафоры. В
своих картинах художник свободно обращается к истории мирового
искусства и культуры. Его искусство обращено к искушенному зрителю,
понимающему и говорящему с ним на одном языке. Так, в картине «Уход» по
правую и левую стороны чернеющими силуэтами набросаны апостолы,
напоминающие произведение немецкого художника эпохи Возрождения
Альбрехта Дюрера «Святые апостолы». В центре композиции – прозрачная
ваза с засохшими подсолнухами. Постимпессионист Винсент Ван Гог любил
писать подсолнухи – у него они были символом его веры и жажды жизни,
здесь же, напротив – цветы олицетворяют смерть, уход и итог всего. Все
сегодняшние композиции автора несут в себе ощущение катастрофы, гибели,
конца. Живые деревья, закутанные от внешнего холода жизни. Знак мертвой,
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
подвешенной вороны, который повторяется в двух вещах, причем в картине
«Сентябрь» он сочетается с колесом – знаком вечного круговращения
времени. Искалеченные деревья, с забинтованными поломанными ветвями, с
безнадежной, напрасной мольбой тянущиеся ввысь… Пожалуй, именно
внутренний смысловой настрой и объединяет этих двух, таких непохожих
друг на друга художников. Точки пересечения их творчества можно найти не
во внешних формах выражения идеи, но в их духовном содержании картин.
Еще одна грань художественного мира Оренбуржья – Александр
Рюмшин. Его персональная выставка под необычным названием «Юла»
собрала весь оренбургский бомонд. Казалось бы, в сфере живописи все давно
уже открыто, и современного зрителя уже невозможно чем-то удивить. Но
тем-то подлинное искусство и ценно, что еще способно удивлять и
вдохновлять, дарить радость от общения с иным миром на языке искусства.
А. Рюмшин представил 60 произведений, каждое из которых сделано в своем
оригинальном ключе. Сказать о том, что это выставка интересная, значит не
сказать ничего. Яркие холсты потрясают своей смелостью исполнения и
своим смысловым сюжетом. Рюмшин – это открытие нашего детства, когда
мы рисовали, не боясь «испортить», «сделать неправильно», или
«некрасиво»: просто брали в руки карандаш, кисть, краски и крас или так,
как велит душа. У всех это получалось когда-то красиво, до тех пор, пока
«умные» взрослые не растаптывали наши способности и мудрую
уверенность, передавая свои «знания, умения и навыки». Горько сознавать,
но это факт: почти в каждом из нас погиб художник. А вот А. Рюмшин смог,
вопреки всему, сохранить детскую чистоту души, веру в себя и умение
радоваться, печалиться, мыслить, но, и это главное, – проявлять это на
холстах и с помощью красок. Художник смело выходит за рамки
стандартного формата картины. Своеобразный полиптих «Красное море» он
пишет на подрамнике с круговыми вырезами. Его дополняет картина на
овале с заостренными углами и круглые холсты, причем их размер точно
соответствует отверстиям центральной части этого произведения. Кроме
экспериментов с форматом, автор объединяет традиционную живопись и
инсталляцию. Так,
в произведении «Праздник»
холст дополняет
расписанный автором стул, а наверху – расписные тарелки. Словом,
Рюмшин
создает
композиции
с
невообразимой
творческой
раскрепощенностью. Его живопись музыкальна. Она звучит в каждой работе
по-своему. Есть полотна с темой народного веселья, гуляний и празднований.
И краски в них яркие и звонкие, как пляски и пенье веселящегося люда. Эти
картины ассоциируются с цветовым рядом фильмов Параджанова, с
живописью Пиросмани и Анри Руссо. С последним его роднит восприятие
мира сквозь призму художественного наива. В некоторых картинах музыка
печальна, тиха и пронзительна. Например, в маленьких холстиках «Нечетная
сторона», «Февраль», в которых художник не побоялся выразить с
предельной искренностью свое глубокое внутреннее одиночество. На иных
холстах цвет очень сложен, густо замешан, имеет стремительный ритм,
поэтому звучит тягуче и насыщенно, как в композиции «Джаз». В картине с
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
тонким смыслом «То, чего боятся дети», цвет, напротив, звучит ярко, чисто и
агрессивно, хотя в ней тоже джазовое звучание. Но в целом, можно сказать,
что художник больше стремится к открытому, локальному цвету. В то же
время в творчестве художника присутствуют и глубоко философские вещи:
триптих «Рождение, радость и одиночество» и семичастный полиптих
«Ключ» по своей композиции близки к кинорежиссуре или анимации.
«Ключ» состоит из семи соединенных в форме горизонтального зигзага
работ. Каждая из них показывает определенный фрагмент человеческой
жизни: начало зигзага в левой нижней части – рождение, начало пути; в
правом верхнем углу – переход в иную сферу реальности; в широкой
центральной части произведения – шум, толчея, суета жизни в ярких красках,
непостоянная все время, бурлящая и движущаяся. На каждом «этапе жизни»
остается неизменным символика моста как перехода из одного состояния
бытия в другое. Вот только в начале и в конце мост маленький – по нему
может пройти только один человек. В центре же он широкий – на нем масса
движущегося, взаимодействующего в самом себе народа. Вся жизнь показана
как на ладони! «Рождение, радость и одиночество» – это даже не триптих, в
традиционном смысле слова. Чем больше вникаешь в суть произведения, тем
отчетливей видишь, что автор мучительно желал «оживить» свою картину,
сделать ее такой же подвижной и динамичной, как кино, хотя это и
невозможно в рамках живописи. Особенно это заметно в правой части
триптиха, которая состоит из множества отдельных «кадров», закрученных и
нарастающих в своих размерах по спирали, выходящей в итоге на
танцующие индийские фигуры на фоне реки. Темой правой части триптиха
является само время, показанное здесь прямо – через образ, напоминающий
квадратный циферблат, но отсчитывающий годы и десятилетия. В
центральной части – темнокожая женщина, в африканской одежде, возможно, это собирательный образ Матери. В инсталляции «Самокат»
Рюмшин, судя по всему, выразил собственный жизненный путь, а в
«Велосипеде» прочитывается ирония над устойчивым, благополучным
образом жизни.
Характеризуя художественные грани Оренбурга, нельзя обойти
творчество таких разных, и в то же время таких значимых фигур, как А.И.
Овчинников и Г.Глахтеев.
Заслуженный художник России А. Овчинников как художник-реалист
известен всем оренбуржцам еще с советских времен. С тех пор А.
Овчинников не изменил своему творческому кредо. Он все так же, как и
прежде, продолжает работать в традиционных жанрах портрета, пейзажа,
натюрморта. Темы земли и Родины, красоты природы и человека,
крестьянского труда превалируют в творчестве мастера, который всегда
пишет только то, что его волнует, то, что он видел и пережил сам.
Ценности, которые воспевает Овчинников в своих холстах – это ценность и
красота простой, безыскусной и нелживой жизни и любви к ней. Его герой –
нравственно и физически сильный, простой советский человек – труженик и
патриот. Его пейзажи и особенно натюрморты пересекаются с мыслью
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
Чернышевского о том, что «прекрасное – есть жизнь»! К сожалению, сегодня
все это стало давно немодным, неконъюктурным, ненужным… Еще одна
расхожая фраза – «без прошлого нет будущего» - дает надежду, что эти
вечные ценности вновь обретут свою силу.
Личность Г.А. Глахтеева в недалеком прошлом – одиозная и культовая,
сегодня всем известная и уважаемая. Его знают, как легендарного лидера
творческой группы художников «Академия Садки». Художник из поколения
шестидесятников не боялся создавать свое искусство, по своему содержанию
противостоящее пропагандируемому и поощряемому властью соцреализму.
Именно то, что он делал это не сейчас, когда «все можно», а тогда, когда
было «очень нельзя», и вызывает особое уважение ценителей живописи.
Творческое наследие Г. А. Глахтеева, по мнению искусствоведов, имеет не
только местное, зональное, или всероссийское, но и мировое значение. В
экспозицию персональной выставки художник
включил 50 картин,
ретроспективно представляющих весь путь развития мэтра оренбургского
авангарда. Работы первой представленной группы – «Зеленая веса»,
«Розовая зима», «Тающий снег», «Предчувствие весны», «Оттепель» - дышат
свежестью «оттепели» 60-х годов. В них светится тонкое, пронзительное
состояние неуловимо-тающего перехода из одного состояния бытия в другое.
Цвета картин: нежно – зеленый, розовый, светло-синий и белый. Это музыка
юности, весны и возрождения жизни. Вторая часть экспозиции знакомит
зрителя с более зрелым этапом его творчества. На трех больших
горизонтальных холстах художник разрабатывает тему художника и его
мастерской. Картины «В мастерской», «Радуга», «Весна», «Девушка с
лентой» выдержанны, холодной, темно–синей гамме. Как рассказал сам
Глахтеев, его вдохновило произведение Г. Курбе « Мастерская художника», а
также картины других авторов парижских художественных ателье. Ему тогда
было, как и Курбе, 36 лет. Обособленно от них выставлена в том же зале
классическая тема мадонны с младенцем, пронизанная теплотой и
человеческих чувств. Работы третьей экспозиционной группы очень разные
как по манере исполнения, так и по смыслу. Они отражают период
внутренней борьбы и творческих поисков Глахтеева в линии, цвете и форме.
Последняя группа представляет самый яркий, взрывной период творчества
мастера, в котором он обращается к евангельской теме христовых страданий.
Первое полотно – «Голгофа», сразу приковывает взгляд и заставляет надолго
перед ней остановиться в размышлении. Художник на месте распятого
Христа изобразил самого себя, а вместо разбойников – двух своих друзей!
Толпа, стоящая справа и слева от голгофы, и представляет два
противоположных творческих лагеря художников Оренбурга: реалисты и
авангардисты. Доминируют агрессивные цвета: красный, желтый и темносиний. Взгляд Христа – иссиня-черная точка расширенных зрачков –
выражает безумие и ужас. В картине «Распятие» воины прибивают Христа
на крест в вертикальном положении, сами при этом находясь на лестнице. В
композиции нет четкого рисунка, но он здесь и не нужен: белые, красные и
коричнево-черные пятна достаточно ясно передают ощущение терзаемой
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
плоти, кровь, залившую и небо и землю, и мрачные тени палачей с
огромными молотами и гвоздями на жутких лестницах. Эта живопись –
сплошной стон. Особенно «бьют» по глазам кровоточащие белые ладони с
поднятыми вверх пальцами. Еще одна работа – «Поцелуй Иуды» с вечной
темой предательства. Фигура Иуды падает на Христа со своими объятиями.
Вокруг них крутится рваный вихрь из белых, черных, фосфорицирующезеленых и ядовито-желтых пятен, линий и подтеков, в котором мелькают
людские головы, фигура Марии Магдалины, шумящая листва Гефсиманского
сада, падающий кувшин у Кедронова потока, оранжевые блики факелов. Все
вместе несет состояние зыбкости, тревоги, внутреннего холода и
вероломства.
Еще один художник, работающий с символами и смыслами, - Виктор
Бартенев – известный авангардист, беспокойный искатель новых граней в
искусстве изображения, неугомонный любитель жарких споров и
творческого эпатажа. Его вернисаж в Музее изобразительных искусств –
явление незаурядное, ведь традиционно в музее выставляются только
солидные, получившие общественное признание творцы. Видимо, Бартенев
становится одним из них. В целом в экспозиции прослеживаются два
направления: абстрактно-красочная и предметно-коллажная. В своих
предметных работах Бартенев фотореалистично соединяет на первый взгляд
несоединимые вещи. Например: золотые аквариумные рыбки и пейзаж
старого города, фрагменты глазуньи и бритвенный набор, детские игрушки
на фоне обнаженной натуры и т.д. Некоторые работы имеют литературную
концепцию. Программная по смыслу композиция «Моцарт и Сальерик», над
которой автор работал несколько лет, отражает взгляд автора на вечную
проблему искусства – противоборства дара, вдохновения, гениальности и
опыта, рассудочности, посредственности. Прочтение автором этой темы
отличается от идеи А.С. Пушкина о том, что «гений и злодейство – две вещи
несовместные». Художник «…хотел передать здесь противоречие дара,
который от Бога, с холодным опытом. В данном случае дар – это Моцарт, а
опыт – Сальерик. Я назвал его так, чтобы подчеркнуть свое ироничное
отношение к такому подходу в творчестве. Эта центральная вещь в этой
выставке, ради нее она была запланирована». Неожиданно. Но современно и
неоспоримо, поскольку это мнение автора. Оригинально решение и
апокрифической темы «Сусанна и старцы», исполненное не только
многотрудно и сложно, но и необыкновенно изысканно и красиво. Об
абстрактных находках В.Бартенева стоит сказать отдельно. Это серия работ
под названием «Краски». Их темой является не только и не столько цвет,
сколько абстрактные по форме, но очень достоверно и точно переданные
массы красок. Глядя на них, появляется впечатление, что это – искусно
организованные разливы красок, которые затем тщательно и реалистично
прописывались в несколько слоев. Поэтому возникает парадокс: с одной
стороны, сочинить подобные подтеки, заливы и взаимоперетекания красок
невозможно, ибо здесь налицо игра природы и Её Величества Фортуны. И в
то же время, умело корректирующая рука художника здесь тоже
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
присутствует!
В.Бартенев
корреспонденту
газеты «Университет»
прокомментировал это следующим образом: « Абсолютно все мои работы на
тему красок сделаны с использованием фотографии. Но при этом я
произвожу отбор и доработку в соответствии с тем, что именно меня
интересует в этих красках. Все композиционные и пластические начала
делаются заранее, затем развиваются в замысле, воплощаясь в «Красках»
через исполнительское мастерство. Вообще эта тема меня интриговала
давно. Впервые я сделал в этом стиле несколько работ три года назад и
выставил их в Брюсселе». Но автору мало изображения на гладкой
поверхности холста, он создает объемные, рельефные основы под
абстрактную живопись, соединяя скульптурный объём с возможностями
цвета. Особенно выразительным произведением является «Лица и краски»:
из рамы выступает огромное выпуклое изображение умиротворенного лица в
окружении маленьких, безликих и искаженных криком голов. И вся эта
скульптурная композиция покрыта кричаще-яркими красками. Причем эту
вещь необходимо смотреть с разных сторон. В этом живопись Бартенева
приближается к скульптуре. Этот яркий, не успокоившийся художник, всегда
увлеченно ищущий и находящий для себя и других что-то новое в
творчестве, сегодня вызывает противоположные чувства – им можно
восхищаться, или напротив не соглашаться и спорить, но в любом случае его
значение сложно отрицать.
Оренбург – город контрастов. Оренбург художественный –
многогранник, кристалл, каждая грань которого – новое творческое
измерение, которое можно рассматривать и изучать бесконечно.
В статье использованы авторские материалы, опубликованные в
газете «Оренбургский университет».
Ссылки:
1. Алеев М. Единство противоположностей [Текст]. // Оренбургский
университет
:
еженедельное
издание
Оренбургского
государственного университета : газета для тех, кто учится и учит /
учредитель ГОУ «Оренбургский государственный университет». –
2011, январь. – № 4(1058). – С.10.
2. Алеев М. Антон Власенко: «Оренбург стал моей второй родиной»
[Текст]. // Оренбургский университет : еженедельное издание
Оренбургского государственного университета : газета для тех, кто
учится и учит / учредитель ГОУ «Оренбургский государственный
университет». – 2010, август. – № 29(1035). – С.10.
3. Алеев М. 17-я сотня. Ежегодная выставка «100 картин художников
Оренбуржья» в Центральном выставочном зале «Оренбургъ»
[Текст]. // Оренбургский университет : еженедельное издание
Оренбургского государственного университета : газета для тех, кто
учится и учит / учредитель ГОУ «Оренбургский государственный
университет». – 2010, июль. – № 27(1033). – С.10.
Copyright ОАО «ЦКБ «БИБКОМ» & ООО «Aгентство Kнига-Cервис»
4. Алеев М. Сенсация от Виктора Бартенева [Текст]. // Оренбургский
университет
:
еженедельное
издание
Оренбургского
государственного университета : газета для тех, кто учится и учит /
учредитель ГОУ «Оренбургский государственный университет». –
2010, октябрь. – № 37(1043). – С.10.
Документ
Категория
Без категории
Просмотров
8
Размер файла
240 Кб
Теги
художественной, Оренбург
1/--страниц
Пожаловаться на содержимое документа